 |
|
|
|
|
Владимир Хрущев: Мне, как и Дюрренматту, близок трагифарс Вадим КАРАСЕВ В следующем сезоне в Тольяттинском драматическом театре «Колесо» пройдет премьера спектакля «Визит старой дамы» по пьесе Фридриха Дюрренматта. Намечена премьера на начало октября. 15 января начались репетиции спектакля. Ставит его режиссер Владимир Хрущев, который запомнился тольяттинским зрителям по нескольким постановкам в Молодежном драматическом театре. Сегодня Владимир Хрущев – гость «ВК».
«Нужен человек, который объединит команду» - Почему выбор пал именно на эту пьесу? - Для будущей премьеры я предоставил список примерно из тридцати пьес, которые я мог бы поставить. В результате обсуждения этот перечень уменьшился до нескольких пьес. Из них мы выбрали «Визит старой дамы». Мне очень нравится эта пьеса. Как обычный человек становится преступником? Эта проблема исследуется во многих литературных произведениях. Но Дюрренматт делает это необычным образом. У него в обстоятельства, связанные с предполагаемым убийством, втягивается целый город. По большому счету, эта пьеса – приговор нашей цивилизации, обанкротившейся в социальном, нравственном и финансовом отношении. Этот конфликт – «совесть и деньги», затронутый в пьесе, и сейчас актуален. Пьеса близка мне размышлениями о том, что за все в жизни приходится платить. Персонажи шаг за шагом предают то, во что они верят, совершают нравственное преступление. Но это не памфлет на тему, что все люди – сволочи. Дюрренматт не обличает жителей города. Он жалеет их. Они, как неразумные дети. Драматург показывает, что стать преступником можно и не будучи изначально злодеем. А постепенно. Где-то уступить, где-то промолчать...В одном из своих эссе, «Проблема театра», Дюрренматт говорит о том, что сегодня наилучший жанр, чтобы рассказать о проблемах современности, – трагифарс. Здесь я с автором солидарен. Это высказывание не устарело и в наши дни. Мне этот жанр тоже очень близок. Надеюсь, что спектакль станет нашим совместным театральным манифестом. - Как он будет сочетаться с традициями театра «Колесо»? И вообще, важно ли для вас, чтобы эта работа была близка к стилистике спектаклей основателя этого театра Глеба Дроздова? - Я предполагаю, что традиции у всех театров одни – пространство живого эксперимента с человеком в центре. Про стилистику театра «Колесо» мне говорить трудно по той простой причине, что я не застал те прекрасные времена, когда творил Мастер. Мне бы очень хотелось сказать что-то свое и в глубине исследования проблемы, и в форме, в смысле жанрового языка и художественного стиля, отталкиваясь, естественно, от автора. С уходом из жизни художественного руководителя ушел целый мир. Вернуть это мир невозможно. И было бы глупо пытаться это сделать. Я думаю, что главное его требование как режиссера было в том, чтобы на сцене были живые люди, и эти люди знали, ради чего открывают занавес. Вот это для меня действительно важно. - У меня есть ощущение, что нынешние проблемы театра «Колесо» во многом связаны с тем, что здесь долгое время не было и нет до сих пор настоящего творческого лидера – главного режиссера… - Это действительно так. Любой творческий лидер, даже если он не входит в десятку лучших режиссеров страны, имеет свою концепцию, свою манеру, свой стиль и свои убеждения. Он предлагает какой-то свой путь, какое-то движение. Предлагает объединиться во имя единой творческой задачи. А в театре это главное. Я думаю, что театр «Колесо» нуждается в том, чтобы коллектив был объединен в одну команду. Иначе театр будет напоминать сборную России по футболу. Вроде бы все играют правильно, а мяч в ворота не летит. Приглашение режиссеров со стороны ничего не решает. Без группы единомышленников в театре не может возникнуть цельного художественного произведения. Если актеры не «видят» друг друга на сцене, не помогают друг другу, если каждый тянет в свою сторону, цельного спектакля не получится. Хотя каждый сам по себе может быть замечательным артистом. «С чистого листа» - Как подбирались актеры для «Визита старой дамы»? - Это был совместный выбор – мой и руководства театра «Колесо». Я же не всех актеров хорошо знаю в этом театре. На спектакль я пригласил некоторых артистов из МДТ. А главную роль исполнит ведущая актриса театра «Колесо» Ольга Самарцева. - Вы знакомы с ее предыдущими работами? - Нет, и я думаю, что это к лучшему. Мы начали с ней работу над ролью «с чистого листа». Я вижу, что это очень профессиональная актриса. Ее просто надо увлечь идеей, и тогда все получится. - Вы довольны ходом репетиций? - Они проходят очень интересно. Я чувствую, что мы работаем командой. Пока получается то, чего мне и хотелось. На репетициях мы много говорим – о театре, об авторе, о жизни вообще. О разных театральных школах и стилях, о биомеханике, о школе Михаила Чехова, которая мне очень близка. У меня возникло ощущение, что артисты соскучились по творческой, интересной работе. - Чем вам близок Михаил Чехов? - Принципами создания характеров, работы с персонажем, отличным от себя и неповторимым. Мне это интересно. Интересно, когда актер смотрит на своего персонажа как на человека, стоящего рядом, исследует его со стороны. И еще, если говорить о режиссерском почерке, я с большим интересом работаю над пластическим решением спектакля, потому что мизансцена – это язык режиссера. Я не очень понимаю халатность в этом вопросе. И не забываю, что любой замысел, как говорил Товстоногов, реализуется через актера. - Для вас как режиссера важно было знать опыт предыдущих постановок «Визита старой дамы»? -Да. Я видел несколько работ по этой пьесе. Более всего понравился немецкий фильм. А вот фильм Михаила Козакова с Екатериной Васильевой мне не понравился. Хотя «понравился – не понравился» - это не критерий театрального режиссера. Скажем точнее: там стилевая разноголосица. В будущем спектакле мне кажется важным передать неповторимый юмор и иронию Дюрренматта. Сам автор говорил: ничто так не испортит эту пьесу, как серьез. Но при этом там исследуется серьезная философская проблема. На стыке тонкого юмора и нешуточной проблемы и родится наш неповторимый стиль. Мне нравится высказывание теоретика театра Ролана Барта о том, что театр – это кибернетическая машина, которая при открытии занавеса начинает воспроизводить в зал определенные волны разной частоты – звуковые световые, ритмические, интонационные. Задача постановщика – сделать эти частоты максимально гармоничными, то есть сделать спектакль полифоничным. - Вы же ставили спектакли не только в Тольятти? - Мне пришлось много поездить по стране. Ставил спектакли в Удмуртии, в Карелии, на Кавказе, в Бурятии, в Пермском крае, в Башкирии, Татарстане. Имел опыт работы в качестве главного режиссера. Буквально на днях еду в Сызрань – ставить «Касатку» Алексея Толстого. Иногда мне говорят: «Ты так много ездишь, это же здорово!» Согласен, хотя частые командировки не прибавляют мне здоровья. А если серьезно, я считаю себя счастливым человеком. Я занимаюсь любимым делом, а мне за это еще и платят. Многое меняется со временем. Раньше я очень хотел, чтобы меня знали, и судорожно все для этого делал. А теперь мне интересно совсем другое. И, к счастью, руководитель МДТ Владимир Коренной дает мне возможность ставить в театре то, что я хочу. Дает возможность исследовать Человека, Мир вокруг него. Вот что важно. Остальное – шелуха. 23.01.2013 "Гроза" в казачьем драматическом Российский театр: Тольятти. Юбилейная тольяттинская осень Выпуск №3-153/2012, В России 14 сентября Молодежный Драматический Театр города Тольяттиторжественно открывал свой юбилейный ХХ сезон. Весь город поздравлял юбиляра, праздник кипел и на площади возле театра и в самом здании, на всех этажах которого готовился торжественный вечер... С крыши пускали салют - словом, все, как полагается в такой знаменательный день. Меж тем о МДТ знают почему-то меньше, чем о его земляке - тольяттинском «Колесе», хотя театр этот - единственный в одном из огромных районов города, Комсомольском. Тольятти же состоит их трех таких районов, весьма далеко отстоящих друг от друга и являющих собой по сути три самостоятельных города. История тольяттинского Молодежного Драматического Театра началась двадцать лет назад. Он был открыт в 1992 году, первоначально предназначался для детей и юношества и имел статус ТЮЗа. Организаторы предполагали с его помощью сделать для юных тольяттинцев свой особый островок нравственности и порядочности в том неспокойном мире, который нас окружал. С тех пор и поныне основу репертуара театра составляют лучшие произведения отечественной и мировой драматургии. С 1992 по 1998 годы тольяттинским ТЮЗом руководил Ю.А.Тя-Сен, а с 1998 года главным режиссером театра стал Дмитрий Квашко. Именно в этот период театр обрел собственное помещение. С апреля 2005 года его директором и художественным руководителем стал Владимир Коренной, а в 2006 году театр поменял свой статус и стал называться Молодежным Драматическим Театром - что позволило ему на радость зрителям заметно расширить свой репертуар. И сейчас театр смело идет по пути открытия новых имен, ведет непрерывный поиск своих тем, идей и литературного материала. При театре работают подростковая студия и молодежная творческая группа «Инако», а в его репертуаре по-прежнему немало спектаклей детской тематики.» Это цитата из юбилейного буклета, к которой следует добавить то, что в репертуаре МДТ сегодня 41 спектакль. Цифра внушительная, если иметь в виду очень скромное финансирование этого театра и его небольшую труппу. Интересы МДТ самые широкие: классика и авангард, история и современность, драма и детские спектакли. Экспериментаторство и поиск актуальной новой пьесы - в обязательной программе МДТ, учитывая молодежную ориентацию всей его жизни и деятельности. Именно свежей, не известной в Тольятти пьесой «Life-Life» открывался новый сезон, и на торжественную премьеру был приглашен из Москвы сам автор, Глеб Нагорный. После Вильнюса и Ставрополя, в Тольятти состоялась уже третья постановка этой пьесы. Интересно, что драматург предоставил постановщику Владимиру Хрущеву право абсолютно вольного обращения с его текстом: «Я не из тех авторов, которые бьются за каждую фразу. Есть такие графоманы, которые говорят: «Ни в коем разе не режьте меня, потому что это все очень важно, это лучшие фразы из текста». Я даже не знаю на самом деле, что Владимир сократил. Если ему что-то нужно для дела - то ради бога, потому что по результату должен быть спектакль, а не пьеса для читки, как это сейчас очень модно в той же Москве. То есть - когда читки стали выдаваться за полноценные спектакли, и им дают уже Золотые Маски - что, на мой взгляд, является абсолютным беспределом. Поэтому - как Владимир Хрущев сделает, так оно и будет. Тут, конечно, приоритет за режиссером, а не за драматургом». Автор вообще показал себя человеком веселым, симпатичным и открытым. На пресс-конференции по поводу своей премьеры был крайне остроумен и щедро делился впечатлениями о московской театральной жизни. А на банкете после спектакля лихо отплясывал вместе с актерами. Его пьеса - современный городской трагифарс (одновременно и психологический триллер), в котором ощутимы мистические традиции Юрия Мамлеева. Пьесу можно было бы назвать «Затерянные под землей» - поскольку речь идет о вагоне метро, остановившемся в туннеле, где пассажиры в страхе и панике вынуждены были провести всю ночь. Перед нами оказался некий ковчег современников - конечно же, с извечными русскими экзистенциальными разговорами, которые начинаются с мелочей и переходят к размышлениям о смысле жизни и к катарсису. Ведь в вагоне имели место и убийство, и момент «точки невозврата» героев, переступивших границы своего обыденного мышления, и авантюрный финал. Пьеса сама по себе очень литературна, изобилует подробнейшими ремарками и собственной, авторской «режиссурой характеров» с исчерпывающим описанием внешности и поведения каждого. Словом, бери и ставь все, как написано, пользуйся авторской щедростью! Но Владимир Хрущев решительно пошел своим путем: и, если пьеса развивалась с добротной подробностью, то режиссура внесла динамизм, которого в ней не было - чуть ли вполовину сократив текст и поставив действие на рельсы стремительного движения. Непрерывно «ломающееся» пространство, рассыпающиеся в стороны стены злополучного вагона создавали ритмы тревоги и страха. Сочетание иронии и жутковатой инфернальности довершали стиль злой притчи о мельчающем современном человеке, который с годами не становится лучше. В блоке премьерных спектаклей, показанных к открытию сезона, новая драма была представлена и пьесой знаменитого тольяттинца Вадима Леванова «Шкаф». В этом городе культ Леванова, о нем создают буклеты и книги, пишут воспоминания, он витает где-то рядом в разговорах за кофе и сигаретами и в рассказах людей, знавших его - а знал его весь город. Ясно, что пьесы его - непременная часть местного репертуара. В МДТ идет драма «Разбивая стекло», посвященная проблемам наркомании, теперь появился «Шкаф», поставленный главным режиссером театра Дмитрием Квашко. Это эстетская вещица для начитанного индивидуума, державшего в руках Чехова, имеющего представление о «Пиковой даме» и способного считать все культурные коды этого сюжета. Запечатанные в мистике Шкафа как сферы нашего подсознательного опыта. Перед нами разворачивается образ Шкафа - вечного фантома и источника волшебства, способного отвечать на тревоги человеческой натуры, исполняя ее тайные желания. Речь тут вообще идет о внутренней тревоге современного человека, без которой он ни шагу не сделает. Молодая пара, Он (Антон Шибанов) и Она (Христина Шепель) замкнуты в комнате наедине со Шкафом. Их тревоге и неразберихе чувств и желаний аккомпанирует Шкаф, предлагая самые разные возможности для достижения счастья - от кучи денег и дорогих напитков до мести мифическому разлучнику, который вываливается из Шкафа с прорубленной головой... В итоге все как-то устаканивается, тревоги и смятения стихают - и нам остается на память красивая сказка о любви, которая должна преодолеть все заблуждения, капризы и страхи - и непременно победить. Чеховская «Свадьба», поставленная Олегом Толоченко, продолжала линию «режиссерского креатива». Как и предыдущие два спектакля, это работа абсолютно фестивального уровня, способная украсить любой театральный фестиваль и, в первую очередь, чеховские. Показать бы эту «Свадьбу» на «Мелиховской театральной весне» или в Ялте - куда она отлично вписалась бы со своим оригинальным «интерактивом». Этот чеховский водевиль идет в театральном фойе, в непосредственном контакте со зрителем: он приглашен в качестве гостя на нашу современную свадьбу в ресторане. Чеховский текст сублимирован в современных реалиях и персонажах, куролесящих на нынешних свадьбах почище чеховских мещан. Торжественная встреча новобрачных, сход гостей, поздравления и подношения, ожидание «свадебного генерала», бесконечные стычки родственников, сведение мелких счетов, интриги и пьяные разборки разрастаются как снежный ком, превращая свадьбу в модель хаоса жизни, в которой слишком много мелкого и неприглядного. Ведь именно свадьба, по обыкновению, проявляет карикатурность человеческих типов, обнажая в них комичное и низменное, и «мелкая грошовая сволочь», показанная когда-то Чеховым, еще более фактурна сейчас. И чеховский текст, отданный нашим Змеюкиным и Апломбовым, звучит без зазора, поскольку образ свадебного безумия вечен. Идя навстречу мелодраматическим вкусам зрителей, в театре поставлен и «Дикарь» А.Касоны - автора, ставшего экзотикой на современных сценах. Впрочем, отчего же не сыграть эту историю юношеской любви именно в молодежном театре? К тому же сама тема противостояния двух миров, природы и цивилизации - вечная, и она очень хороша в этом спектакле, поставленном художественным руководителем театра Владимиром Коренным. Его герои живут в окружении роскошного горного пейзажа Испании, созданного художником Александром Терпиловским, и их «жизнь в пейзаже» приобретает оттенок сладостной оперной пасторали. Да, все здесь очень красиво - и «природное бытие» юного дикаря Пабло (Антона Шибанова), и появление в его жизни молодой учительницы Марги (Христины Шепель), и их любовь на фоне бескрайней красоты - подвергшаяся, конечно же, испытанию, посланному цивилизацией. Любовь и великая природа одерживают верх, преодолевая все зло мира - ах, если бы так могло быть всегда и всюду! Эрдмановский «Самоубийца», поставленный Владимиром Хрущевым, по своему социальному и гражданскому звучанию - событие для всего Тольятти. Мы увидели в этом спектакле и исторический анекдот, и трагическую притчу о ценности человеческой жизни, которую каждый осознает слишком поздно. Получился очень серьезный разговор о цене человеческой жизни вообще. Это красивый и стильный спектакль - и образ огромной карты Советского Союза, населенной окошками коммуналок, остается в памяти его эмблемой. На фоне этой страны, этой огромной коммуналки, и разворачивается драма маленького человека, вставшего на защиту собственной жизни. На сцене - почти вся труппа театра, играющая как спаянная команда хороших комедиантов, знающих толк в фарсовой стихии. Эта толпа людей-безумцев, изуродованных идеологией, являла зрелище грустное и поучительное. На их фоне прокладывал свой экзистенциальный путь Подсекальников (Юрий Бутко) - безработный гражданин, обиженный на жизнь и сгоряча решивший свести с нею счеты. В этой очень зрелой и вдохновенной роли было два экзистенциальных пика. Когда человек, решившись умереть, доходит до самоупоения и экстатического взлета, ощущая свое небывалое величие. И - когда он приходит к осознанию жажды жизни, самой простой и обыкновенной, поднимаясь в этом сознании до неистовых высот. Среди многих и самых разных спектаклей по этой пьесе я не видела более пронзительного Подсекальникова. В МДТ Тольятти представили необычного Колобка
Просмотров: 462 Владимир Хрущев: «Островского надо играть, а не читать» материал размещен 24 октября 2012 в 09:29, просмотров: 508 В Ставропольском академическом театре драмы открылся 168-й театральный сезон По традиции сезон открылись премьерой – спектаклем по знаменитой пьесе Александра Островского «Без вины виноватые». Ставил спектакль режиссер из Тольятти Владимир Хрущев. Это не первая его работа в нашем театре, год назад он произвел фурор своей постановкой пьесы «Визит дамы». Спектакль-перформанс получился интересный и неординарный, особенно запомнилось музыкальное оформление – в классической пьесе звучала музыка немецкой группы Rammstein.
Одни спектакль не приняли, другие были в полном восторге. Кроме театральных работ Хрущев прославился еще телевизионными комедийными программами «Хрущевская оттепель» и «Соседки плюс». Как работалось в этот раз режиссеру в ставропольском театре, Владимир Хрущев рассказал накануне премьеры корреспонденту «МК-Кавказ». – Владимир, вы второй раз в нашем городе и снова работали над поставкой классики, чем обусловлен был выбор этих пьес? – Пьесы «Визит дамы» и «Без вины виноватые» мне предложил поставить у вас директор ставропольского театра Евгений Луганский, чему я был очень рад, потому что Островский – это действительно интересный и любимый мною драматург. Как сказал один из известных теоретиков театра, если театр берет Островского в репертуар – значит, он находится в серьезной творческой зрелости. Это моя вторая встреча с данным автором. Первой была постановка «Грозы» в Новочеркасском драматическом театре, получившая различные международные премии. Еще есть одна пьеса Островского, которую я очень хочу поставить. Это «Поздняя любовь». Что касается «Визита дамы», то это произведение сложное, его мало кто хочет брать в театр, поэтому я очень доволен тем, что мне удалось поставить пьесу здесь, в Ставрополе. Получился такой перформанс со сложными декорациями, великолепным светом, весьма необычной музыкой. – Как вам работается в Ставрополе? – Каким, на ваш взгляд, должен быть идеальный актер? – У меня три критерия: умение работать с чистого листа, не используя штампы, работоспособность и профессионализм. В ставропольском театре есть такие актеры, я не скрываю своей радости от работы с актрисой Ириной Баранниковой. Она грациозна, умна, профессиональна. Александр Жуков очень интересно работает, прекрасна народная артистка России Наталья Зубкова, которая исполнила главную роль в спектакле. Мне очень понравился Владимир Лепа, а в целом все работали просто великолепно. – Слава богу, что мы ушли от темы «Мать потеряла дитя». Мне кажется, что мы нашли очень интересный ключ в постановке, он с долей иронии. У нас получились три совершенно разные части: пролог драматический, очень пронзительный «а-ля Станиславский», потом идет еще один драматический отрывок, а завершается все «шекспировскими страстями». Три части друг от друга разительно отличающиеся. Островский – удивительный автор, он создает такие характеры! Думаю, если бы Александр Николаевич жил в наше время, он стал бы сегодня самым дорогим и востребованным сценаристом. На мой взгляд, читать его пьесы не очень интересно, их нужно именно играть на сцене. Островский ведь жил театром, был дружен со многими актерами, сам ставил пьесы. Все его пьесы были написаны на определенных актеров. Например, пьеса «Без вины виноватые» изначально предназначалась Островским для московского Малого театра, роль Незнамова была написана специально для известнейшего в то время артиста – Константина Рыбакова, а роль Коринкиной – для актрисы Надежды Никулиной. Гениальный драматург, реплики героев, звучащие в этом произведении, актуальны сейчас как никогда. – А как вам одноименный фильм режиссера Глеба Панфилова? Вы наверняка смотрели его, перед тем как взяться за постановку… – Да. Конечно, смотрел, картина Панфилова не понравилась. Да и сам он не раз признавал, что это далеко не лучшая его работа. Все эти «разлюли-малина», сплошные сопли, сентиментальность… В этой постановке должна присутствовать некая степень иронии. Мне кажется, сейчас Островского нужно ставить в современном стиле – даже отказываться от театральных костюмов. Я понимаю, что люди приходят в театр посмотреть на классические постановки «а-ля Островский», но ритм жизни изменился, надо даже текст быстрее говорить на сцене. – На ваш взгляд, есть ли будущее у русского театра в век Интернета и телевидения? – Хотя много раз пророчили гибель театра, у человека всегда возникает желание видеть «живое искусство». Почему на эстрадных звезд ходят? А потому, что хочется послушать, как они поют вживую, посмотреть, как они двигаются. Публика хочет видеть «живой контакт». Театр старается бороться с масскультурой, но у нас в стране только семь процентов населения ходит в театр, поэтому массовым он у нас не может быть по определению. Я был на нескольких спектаклях ставропольского театра и видел, какие тут потрясающие зрители, живо реагирующие на то, что происходит на сцене, здесь всегда полный зал. Театр – это сиюминутное искусство, которое возникает не вчера, не позавчера, а в данный момент. Кино, к примеру, можно положить на полку и посмотреть через месяц, это консервное искусство. А спектакль живет только дважды – на сцене и в памяти зрителя, поэтому театральное искусство никогда не умрет. материал: Элла Давыдова Ставропольский краевой театр драмы начал сезон с классики Публикация: 19.10.2012 20:16 | Количество показов: 1557 "Без вины виноватые" - премьерой всем известной пьесы Александра Островского открылся 168-й театральный сезон в Ставропольской академическом театре имени Лермонтова. Молодежный драмтеатр отправится на фестиваль "Надежды России" 21.09.12 08:38 Молодежный драматический театр получил приглашение на VIII фестиваль театров малых городов России, который пройдет в городе Вышний Волочек с 6 по 13 октября. Данный фестиваль имеет статус общероссийского смотра-конкурса лучших спектаклей театральных коллективов России. Он проводится под патронажем и при содействии Министерства культуры РФ. Кроме тольяттинского театра в Фестивале примут участие Новомосковский драматический театр имени В.М. Качалина, Дзержинский театр драмы, Сызранский драматический театр имени А.Н. Толстого, Кинешемский драматический театр имени А.Н. Островского, Театр юного зрителя города Заречный и хозяева фестиваля - Вышневолоцкий областной драматический театр. Вне конкурсной программы в качестве почетного гостя на фестиваль приглашен Московский театр на Перовской. Для представления в конкурсной программе Молодежный драматический театр выбрал спектакль "Life-Life" по пьесе Глеба Нагорного, премьера которого состоялась совсем недавно - 14 сентября 2012 года. Пьеса современного драматурга заинтересовала театр и режиссера Владимира Хрущева. Ситуация, созданная автором, не нова: группа людей находится в замкнутом пространстве, в данном случае в вагоне метро. И здесь всегда интересно - как поведет себя человек в экстремальной ситуации. 5 февраля 2013 Войти или зарегистрироватьсяРеклама на сайте Главная » Культура » Слишком женатый на театре 30 марта 2012 Слишком женатый на театре Сегодня в Русском драматическом театре УР зрители увидят премьеру спектакля «Слишком женатый таксист» по пьесе Рэя Куни. Комедию ставит приглашенный режиссер тольяттинского Молодежного драматического театра Владимир Хрущев. Режиссер Хрущев известен тем, что ставит оригинальные спектакли в самых разных уголках России. Причем то, что он делает, всегда любопытно. Его интересуют глубокие темы и острые формы. Он умеет взглянуть на стандартные вещи под новым углом зрения. В Ижевск Владимир Геннадьевич приехал после того, как узнал, что наш драмтеатр ищет режиссера для постановки комедии. Чем не повод пожить два месяца атмосферой нового города и впервые в своей практике познакомиться с пьесой короля комедий Р. Куни! А в родном театре его уже с нетерпением ждут молодые актеры, чтобы поставить психологический триллер в двух действиях «Life-life» по пьесе современного драматурга Глеба Нагорного. Незадолго до своего отъезда известный режиссер рассказал читателям «Удмуртской правды» о принципах работы, взглядах на любимую профессию и о том, каким получился его новый спектакль в Ижевске. Сверхзадача — Для меня как для художника ключевая тема в этой пьесе – мужская несостоятельность в современном обществе. Как говорит одна из жен главного героя Мэри Смит: «Неужели настоящих мужиков совсем не осталось?». Стэнли Поуни – бездельник, Бобби Франклин – гей, Джон Смит – вообще двоеженец. Единственный положительный персонаж – инспектор Портерхауз, с классическими взглядами на семью, но и он далеко не идеален. История про таксиста – это своеобразный призыв мужчинам задуматься над своими отношениями с женщинами. Интерпретация смешного — Несмотря на внешнюю комичность ситуации и то, что фарс по сути своей предназначен для того, чтобы вызывать у зрителей смех, в спектакле «Слишком женатый таксист» актеры ни в коем случае никого не смешат. Если разобраться, история таксиста, женатого сразу на двух женщинах, не подозревающих о существовании друг друга, – абсолютная трагедия для всех, кто в эту историю вовлечен. К тому же давно известно, что смешная шутка лишь тогда возымеет успех, когда будет рассказана с серьезным видом. Актерская труппа Я всегда боялся театра и любил его. Очень люблю актеров, потому что они – единственный проводник между прозой и поэзией, между замыслом и реализацией, между режиссером и зрителем. С труппой ижевского театра на репетициях получилось создать творческую атмосферу, когда все друг друга уважают, не боятся показаться дураками, не стесняются режиссера и все вместе хотят, чтобы получился результат. Теория драмы — Мне очень нравится, как философ теории драмы Поляков сравнил театр с кибернетической машиной. «Как только открывается занавес, – говорит он, – машина начинает работать. Она посылает зрителю волны разной частоты: голосовые, цветовые, музыкальные. И чем меньше резонанса в этих частотах, тем гармоничнее спектакль». Режиссеру важно свести частоты в единое целое и создать из них гармонию. Горячее сердце — В театре нельзя быть равнодушным. Что-то всегда должно тревожить, за что-то всегда нужно переживать. Сердце режиссера должно быть горячим. Когда очень сильно стараешься кому-то угодить, спектакль не получается. Нужно просто делать то, во что ты веришь, и получать от своей работы удовольствие. Поездки — Режиссер всегда должен развиваться. Один из самых эффективных способов – ставить спектакли в других театрах. Я стараюсь отслеживать, что происходит в театральной среде. Объездил все театры от Дальнего Востока до Северного Кавказа. Иногда думаю: так хочется отдохнуть, пару денечков ничего не делать. Но тут же понимаю: это лукавство, без работы я ни дня не смогу. Роль театра — Проблема современных театров в том, что все они вынуждены зарабатывать деньги. Мне кажется, театр – это все-таки нечто большее. Это единственное место, которое может остановить катастрофу, происходящую в нашей сумасшедшей стране. Театр может за два часа показать людям, каким разным бывает человек. Главная задача театра – сделать так, чтобы зритель, глядя на сцену, увидел самого себя, открыл в себе новую человеческую грань. ЛИТЕРАТУРНАЯ РОССИЯАрхив : №40. 05.10.2012LIFE-LIFE, ИЛИ НОВЫЙ ВЗГЛЯД НА СОВРЕМЕННОЕ ОБЩЕСТВО
Молодёжный драматический театр (МДТ) Тольятти открыл свой юбилейный 20-й творческий сезон премьерой спектакля «Life-Life» по пьесе Глеба Нагорного в постановке Владимира Хрущёва. Режиссёр Хрущёв всегда отличался особым неконъюнктурным взглядом. Все его постановки отвечают сегодняшнему дню, он никогда не подыгрывает зрителю, а открывает новый светлый пласт, на который интересно смотреть. Несмотря на кажущуюся злободневность сюжета, в спектакле практически отсутствует модная ныне политическая подоплёка. Показаны определённые обстоятельства, в которых максимально раскрываются люди. Как отметил сам Владимир Хрущёв, «У театра нет задачи реагировать на политическую жизнь. Театр, прежде всего, исследует человека в его многообразии. И мне интересен сам человек». Собственно, поэтому для своих постановок режиссёр старается подбирать темы, не теряющие актуальности и через годы. Поскольку пьеса «Life-Life» современная и тема незаезженная, она стоит отдельного внимания. Действие пьесы происходит в вагоне московского метро. На линии произошла авария, и совершенно разные люди по воле случая оказались на пару часов вместе. Своеобразный срез современного общества: бизнесмен и гастарбайтер, интеллигент и вор, успешная леди и бомж, гламурная девица и пенсионер, милиционер в штатском и обычные люди. Только что они были просто пассажиры. Внешне чуть разные, но в целом мало отличающиеся друг от друга люди. И вот нестандартная ситуация. Она и помогает раскрыть каждого человека, кто он есть на самом деле. Авария – нежеланный и неожиданный сбой в привычном жизненном укладе. Что делать? В начале некоторые пытаются извлекать из ситуации личную выгоду. Например, так поступает агент-распространитель, раздавая визитки и скидки на новые курсы-тренинги «Лайф-Лайф», якобы обучающие людей правильно жить и позитивно смотреть на мир. Но что толку от этих курсов, если поезд продолжает стоять и проблема не решается? В результате люди всё больше нервничают, ситуация накаляется и дело доходит до драки. Немного успокоившись, пассажиры обнаруживают в вагоне труп убитого мужчины-пенсионера, ехавшего с ними. И вот уже, как в игре в «Мафию», все озабочены другим вопросом – кто убийца? И снова эмоции, снова провокации, снова драка и поиск крайнего. И вскоре опять: «Почему стоим?» В конце концов наступает стрессовое успокоение и люди перестают удивляться происходящему. Поезд стоит, в вагоне труп, но ведь и в такой ситуации нужно как-то жить дальше и что-то делать. Люди есть люди. Одни начинают растаскивать личные вещи убитого, кто-то играет в кроссворд, другие просто решили перекусить. А есть и такие, кто, глядя на происходящее, задумывается о смысле жизни, о своей нелёгкой судьбе, о родине и всём человечестве. В ходе разговоров звучит вполне здравая мысль, что каждый человек – это, образно говоря, отдельно взятый вагон, а всё человечество – это поезд. И чтобы двигаться и развиваться, нужен локомотив, общая идея. Каждый в отдельности, без осознания своей принадлежности к целому, так и будет топтаться всю жизнь на одном месте, стоять на своей или, того хуже, чужой станции или ехать в чужом вагоне. И только поняв себя, объединившись, осознав и поставив общую задачу, можно двигаться вперёд. Но, пока люди говорили друг с другом, пытались наладить диалог, что-то придумать, произошло ещё кое-что. И тут по рации сообщается, что авария устранена, и вагон трогается с места, все радуются, но на ближайшей остановке пассажиров вагона и зрителей ждёт неприятная правда о новой реальности… Сама пьеса «Life-Life» читается замечательно, в ней ощущается литература, есть юмор и большое количество разнообразных персонажей из реальной жизни. Сюжет, люди, диалоги, мысли, ирония – всё это ещё долго не потеряет актуальности, поскольку отражает нашу современную жизнь. Глеб Нагорный написал эту пьесу ещё в 2006 году. По его мнению, самое страшное в современной драматургии – конъюнктура. Поэтому в его пьесе нет известных нам популярных лиц. Зато есть совершенно обычные люди – сильные и слабые, местами похожие на нас с вами. В чём-то с каждым из них можно согласиться, а где-то и поспорить. Ведь и в жизни нет чёрного и белого, она вся состоит из полутонов. Пьеса соответствует современному обществу, и это, по мнению автора, должно обеспечить ей долгую жизнь. Кстати, пьеса уже поставлена в Русском драматическом театре Литвы, Ставропольском академическом театре драмы им. М.Ю. Лермонтова. Кроме того, готовится постановка в Мурманском областном драматическом театре.
Фестивали:
Березниковский драматический театр — драматический театр в городе Березники Пермского края. В 2004 году театр, сменив главного режиссера и переехав в новое здание, начинает свою новейшую историю. В ноябре 2004 года театр обрел свой дом, переселившись в Муниципальный дворец культуры. С этого момента художественное руководство театром осуществляет режиссер Владимир Хрущев. Улучшенные условия труда актеров, новое современное художественное руководство в скором времени стало приносить свои плоды: увеличиваются все статистические показатели работы театра (количество зрителей, количество сыгранных спектаклей и др.), увеличивается труппа театра. Спектакли ставят режиссеры: В. Лаптев (Екатеринбург), Л. Макеева (Москва), М. Смирнов (С.-Петербург); художники: Ю. Жарков (Пермь), С. Лавор (С.-Петербург), А. Караульный. В марте 2006 года театр принял участие в III межрегиональном фестивале «Театр детям и юношеству» (г. Тамбов) со спектаклем «Иван Седьмой» В. Ольшанского (реж. Л. Макеева, худ. Ю. Жарков). По результатам фестиваля театр был удостоен Диплома «За самый волшебный спектакль», а исполнитель главной роли Е. Безбог Диплома «Зрительских симпатий». В сентябре этого же года спектакль «Дядя Ваня» А. Чехова (реж. В. Хрущев, худ. Ю. Жарков) получил «Гран-при» на V фестивале театров малых городов России (г. Вышний Волочек) а актрисы Н. Попова и Э. Ковзан-Чодришвили получили Дипломы «За лучшую женскую роль» и «Лучшую женскую роль второго плана». В последующие годы театр принял участие в заключительном этапе краевого фестиваля «Пермская театральная весна» — «Волшебная кулиса» (спектакль «Сад без земли» Л. Разумовская) и во II фестивале театров Уральского региона «Новый взгляд» (г. Верхний Уфалей, спектакль «Сад без земли»), в фестивале современной драматургии «Коляда-pleys» г. Екатеринбург (спектакль «Канотье» Н. Коляда). Ежегодно театр принимает участие и получает Дипломы в краевых смотрах-конкурсах: «Соленые уши», «Соломенная шляпка» и, конечно же, в главном краевом конкурсе «Пермская театральная весна». О театре много пишет центральная (журнал «Страстной бульвар-10») и краевая (газета «Звезда») пресса. ГИЛЬДИЯ ТЕАТРАЛЬНЫХ РЕЖИССЕРОВ РОССИИ http://rezhissery.pro/chleny-gildii/rezhissery/item/177
В Бурятии пройдет российская премьера пьесы московского драматурга Юрия Котлярского 19 февраля '09, 11:18
В Улан-Удэ в Русском драматическом театре имени Н. А. Бестужева 21 и 22 февраля пройдут премьерные показы пьесы московского сатирика и драматурга Юрия Котлярского «Полет по касательной», сообщили 19 февраля в литературном отделе театра.
«На пороге юности» побывали бестужевцы
Министерство культуры Российской Федерации Государственный Театр Наций Министерство культуры Саратовской области Администрация муниципального образования город Балаково
IX Фестиваль театров малых городов России
2 – 7 июня 2011 года
АФИША ФЕСТИВАЛЯ
САМАРСКАЯ ТЕАТРАЛЬНАЯ МУЗА
Члены жюри посмотрели все представленные на конкурс спектакли: Самарский академический театр оперы и балета
В результате были определены победители по следующим номинациям: Номинация «Лучшая работа дирижера»:
Юрий Бутко за роль Гаврилы в спектакле «Хапун» В. Ольшанского (Молодежный драматический театр, г. Тольятти). Анна Кондрашина за роль Шатовой в спектакле "Наши" по Ф. Достоевскому (Сызранский драматический театр им А. Н. Толстого) - творческая командировка в Москву на фестиваль "Золотая Маска" Специальная премия жюри: за актерский ансамбль а спектакле "Долгий рождественский обед" Т. Уайлдера (театр "Самарская площадь") http://www.stdsamara.vdnh.ru/7228246846 ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
В сызранской драме - вновь премьера. Трагикомедия “Касатка” по одноименной пьесе Алексея Толстого, представленная 29, 30 и 31 марта, приурочена к 130-летию со дня рождения писателя и Международному дню театра. По замыслу создателей, постановка должна стать визитной карточкой сызранской сцены. И если для подтверж-дения этого факта требуется время, то первое впечатление от спектакля у зрителей уже сложилось. В основном - положительное. Кажется, текст пьесы Толстого не раскрывает такого накала чувств, какой получился у актеров. Спектакль насквозь пронизан эмоциями и лиризмом. А также, чего никак нельзя было предположить после прочтения “Касатки”, - символикой и метафорами. Это заслуга в большей степени тольяттинского режиссера Владимира Хрущёва, который решился на сценический эксперимент. Он не заигрывает со зрителями, а заставляет их думать над содержанием пьесы. В ее основе - идея “потерянного рая”, которая накладывается на вполне жизненную историю нескольких любовных пар. Именно поэтому пьеса, в отличие от трактовки писателя, меняет жанр на трагикомедию. Впервые главные герои - потрепанный жизнью князь Анатолий Бельский и его любовница Касатка - предстают перед зрителями за картежной игрой. Очень неоднозначный и сложный женский образ героини прекрасно удалось воплотить на сцене актрисе Татьяне Дымовой. Уставшая, но все еще яркая, раскрывающаяся навстречу любви - такой получилась Касатка в ее исполнении. За плечами героев - бурное, но совсем не радостное прошлое. Они тащат за собой этот груз, который символизируют тяжелые чемоданы на ногах князя Бельского. - Вечером стравлюсь! - заявляет Касатка и ложится в огромный чемодан, который захлопывается за ней, подобно гробу. Ее пара с князем является в пьесе воплощением порока. Очевидно, что вместе они быть не могут именно по этой причине. И потому в имении хранительницы прежних устоев тетки Варвары (Нина Барковская) пара распадается. Касатка уходит к Илье (Владимир Калялин), влюбленному в нее когда-то. А князь обращает внимание на его невесту Раису (Марина Филатова). И вот эта нежная девочка уже везет Анатолия на тележке, как бы беря на себя всю тяжесть его положения. Символами, превратившимися почти в предсказания, пропитана подготовка к ее так и не состоявшейся свадьбе с Ильёй. Сначала с Раисы слетает фата, зацепившаяся за дерево. А символом ее пути к алтарю и будущего брака становится безыскусная домотканая дорожка, которую расстилает горничная Дуняша (Анастасия Шендрик). Пожалуй, это самый комический персонаж в пьесе. Прекрасно удалась роль подобного плана и Лидии Дымовой. Кстати, именно образы второстепенных героев добавляют пьесе фарсовости. Они, как пружина в часах, заставляют действие развиваться в совершенно неожиданном направлении. И здесь снова нельзя отказать в изобретательности режиссеру, которому близок жанр трагифарса. Он ввел в спектакль еще нескольких персонажей. В антракте эти деревенские жители убирают реквизит, делая действие пьесы фактически непрерывным. Облик одного из них неуловимо напоминает Ленина... Особое внимание Владимир Хрущёв уделил музыкальному оформлению спектакля. В пьесу удачно вписаны и романс о Касатке, и шансонетка, и молитва... Музыка настолько легка, что иногда ее просто не замечаешь, она лишь заставляет представить общий образ. Над этой частью спектакля поработал московский композитор Сергей Немов. Спектакль получился очень легким и с точки зрения сценического оформления. Воздушности добавляет дальний план, отгороженный от зрителя полупрозрачным занавесом, где также происходит действие. А еще - разбросанные по сцене осенние листья, легчайшие льняные костюмы героев, над созданием которых трудилась дизайнер Анна Митко. И, конечно, возвышающийся купол неба, который, меняясь, превращается в журчащую речную воду. Падение этого занавеса вновь напоминает зрителям об основной идее спектакля - потерянном рае. А в атмосферу неспешно текущей деревенской жизни зрителя погружают слова князя Бельского, сказанные с неповторимой интонацией Юрия Андруховича: - Вечером выйдешь в рожь - пахнет медом, повиликой... В конце спектакля вновь образовавшиеся пары, полные надежд на будущее, уплывают на пароходе, оставив на берегу Варвару и Абрама Желтухина (Андрей Бурнаев). Ему со своей неизменной раскладушкой в руке остаться в теткином имении - за счастье. Но куда же уплывает пароход? Его путь весьма туманен. Именно поэтому на поклоне артисты стоят спиной к зрителям. Их жизнь фактически обречена. Напомним, что действие пьесы происходит в 1916 году. Скоро грянет революция, и, возможно, веселый матрос Панкрат так же легко, как предлагает чаю, расстреляет их. Но перед гибелью судьба подарила героям удивительный шанс - настоящую любовь. Потому-то они и уезжают налегке: без увесистых чемоданов-гробов, избавившись от тяжкого груза прошлого. Вся пьеса становится гимном любви, но не прагматичной, а неистовой и искренней. Девиз этих чувств - слова тетки Варвары: - Любишь - не стыдись, а разлюбил - так и скажи. Пожалуй, это - самое главное, что может тронуть сердце современного зрителя. Пьеса призывает к умению любить и прощать. Несмотря на то, сколько времени на это отпущено. Елена ОСИПОВА
В Сызранской Драме состоялась долгожданная премьера трагикомедии «Касатка» по одноименной пьесе А. Толстого. Постановка, приуроченная к 140-летию со дня рождения писателя, стала подарком зрителям к Международному дню театра. Несмотря на то, что спектакль идет на сызранской сцене не впервые, трактовка пьесы тольяттинского режиссера Владимира Хрущёва была принята зрителями весьма благосклонно. На его счету - десятки спектаклей в разных городах страны. Но в Сызрани Владимир Геннадьевич работал впервые, впрочем, как и ставил «Касатку». - Владимир Геннадьевич, как Вам работалось над пьесой, довольны ли Вы результатом? - У нас был подробный «застольный» период, поэтому потом, на сцене, актерам уже было значительно легче. Но работали все с большим интересом и воодушевлением. Очень трудно было объяснить язык, на котором мы будем говорить: найти жанрово-стилевое решение спектакля. Не все удалось воплотить на сцене, что хотелось бы. Но причина этому - нехватка времени. Впрочем, его никогда не бывает достаточно. - Пьеса ставит режиссера в довольно жесткие рамки - и социальные, и сюжетные. Вызывало ли это сложности? - Признаюсь честно, я сам не знал, что может получиться из исходного материала. Поэтому захотелось на первый план выдвинуть идею «потерянного рая». Ведь у каждого из героев есть свои утраты. Эта идея подкрепляется многими символами по ходу спектакля. Вторая главная мысль, которую хотелось донести до зрителя, - важность любви в нашей жизни. - Вы обозначили жанр спектакля как «трагикомедия» именно из-за основной идеи? Ведь Алексей Толстой называл свою пьесу «комедией о любви». - Да. На судьбах героев лежит отпечаток трагичности. Финал же спектакля и вовсе не утешителен. Вспомните, что на календаре - 1916 год. Через какое-то время герои могут погибнуть, и от их судеб останутся лишь воспоминания. Что же касается юмора... Передо мной не стояла задача сделать так, чтобы зрители хохотали над происходящим. Юмор в спектакле присутствует, но он - легкий, ненавязчивый. Зрителю есть над чем улыбнуться. - Как рождались образы, в частности, Касатки? - По пьесе герои довольно молоды. Например, князю Бельскому всего 32 года, а он уже успел устать от жизни. Но разве может молодой, цветущий человек испытывать такое чувство? В спектакле князя играет актер более старшего возраста, и в этом определенно что-то есть. Он выглядит по-настоящему пресыщенным жизнью человеком. Образ Касатки получился у Татьяны Дымовой очень объемным. Она вложила в него многое от себя. Еще меня восхитил талант Лидии Дымовой, на которую я обратил внимание еще во время читок. Просто аплодирую ей! Словом, в сызранском театре есть достойные, интересные актеры. - Можно ли найти в постановке параллели с современностью? - Социальной адекватности в ней мало из-за эпохи, в которую происходят события. Однако в тексте пьесы есть одна фраза, которая перенесена и в спектакль. Она звучит из уст Анны Аполлосовны примерно так: «Ты, поди, по службе пошел? Нет? Это хорошо, греха меньше будет». Сейчас - прагматичный век. И восприятие любви стало тривиальным. Разве можно себе представить, чтобы распался такой внешне благополучный брак, как у главных героев пьесы Ильи и Раисы? У них есть деньги, имение. Но они расстаются, потому что каждый испытывает настоящее чувство к другому человеку. Поэтому спектаклем хочется призвать зрителей к умению прощать и не бояться своей любви. - Спасибо! Елена ОСИПОВА.
|
© BLK85 |
